Un recorrido por las exposiciones imperdibles de 2026, donde el arte, el dise&ntilde;o y la moda trazan nuevas lecturas y tensiones creativas.

<h4 style="text-align: justify;">Marcel Duchamp</h4>
Desde el 12 de abril al 22 de agosto de 2026 El artista que desafi&oacute; y reinvent&oacute; la idea de arte.
El Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York presenta una retrospectiva dedicada a Marcel Duchamp, la m&aacute;s grande en Estados Unidos desde 1973. Con m&aacute;s de 300 obras, la exposici&oacute;n traza un recorrido por seis d&eacute;cadas de creaci&oacute;n del artista francoestadounidense que cambi&oacute; para siempre la manera de entender el arte. Desde el impacto de Desnudo bajando una escalera&nbsp; (n.&ordm; 2) &nbsp;(1912) hasta el gesto radical de Fountain (1917), un urinario convertido en escultura, la muestra aborda su constante reinvenci&oacute;n y su rechazo a cualquier etiqueta. A trav&eacute;s de pinturas, esculturas, collages y documentos, el MoMA invita a redescubrir al provocador que, entre iron&iacute;a y lucidez, transform&oacute; para siempre la historia del arte moderno.

<h4 style="text-align: justify;">Renoir y el amor</h4>
Del 17 de marzo al 19 de julio de 2026
Una lectura sobre c&oacute;mo las obras del artista franc&eacute;s capturaron la esencia del amor y la intimidad en el arte del siglo XIX.
El Mus&eacute;e d&rsquo;Orsay presenta una exposici&oacute;n dedicada al artista franc&eacute;s Pierre-Auguste Renoir, una figura esencial del impresionismo y un gran observador de las relaciones humanas. Entre 1860 y 1880 el artista transform&oacute; la pintura con una t&eacute;cnica luminosa y un nuevo inter&eacute;s por la vida moderna centrando su mirada en la intimidad, el deseo y los gestos cotidianos.
Sus escenas, ya sean bailes, almuerzos o conversaciones, revelan c&oacute;mo el amor se manifiesta en la sociedad urbana: en caf&eacute;s, jardines o bulevares donde distintas clases sociales se cruzan. Renoir capta la ligereza y la alegr&iacute;a de esos encuentros, pero tambi&eacute;n su trasfondo social, marcado por las tensiones entre deseo, moral y libertad.
Organizada junto a la National Gallery de Londres y el Museum of Fine Arts de Boston, la muestra propone releer su obra como una exploraci&oacute;n del amor en todas sus expresiones.

<h4 style="text-align: justify;">Poes&iacute;a sublime&nbsp;</h4>
Del 29 de marzo al 28 de junio de 2026
Una gran retrospectiva que revela el genio y la sensibilidad de Rafael.
La muestra &ndash;primera retrospectiva integral del artista en Estados Unidos&ndash; del Museo Metropolitano de Nueva York (MET) re&uacute;ne m&aacute;s de 200 obras procedentes de colecciones p&uacute;blicas y privadas de Europa y Norteam&eacute;rica, muchas de ellas nunca antes vistas en conjunto. A trav&eacute;s de pinturas, dibujos y tapices, la exposici&oacute;n traza un recorrido completo por la vida de Rafael, desde sus inicios en Urbino hasta su consolidaci&oacute;n en Florencia, con su d&eacute;cada definitiva en la corte papal de Roma, donde alcanz&oacute; un prestigio que lo situ&oacute; al nivel de Leonardo y Miguel &Aacute;ngel.
El padre de Rafael era pintor y poeta, esto le ayud&oacute; a desarrollar una sensibilidad &uacute;nica, capaz de unir ambici&oacute;n intelectual y lirismo emocional en un contexto pol&iacute;tico complejo. La muestra destaca especialmente su representaci&oacute;n de la figura femenina &ndash;como sus innovadores estudios de desnudos o las ic&oacute;nicas escenas de la Virgen con el Ni&ntilde;o&ndash; y revela nuevos hallazgos t&eacute;cnicos producto de exhaustivas investigaciones cient&iacute;ficas. &ldquo;Poes&iacute;a sublime&rdquo; ofrece una mirada renovada sobre el artista que durante siglos fue considerado la medida suprema de la perfecci&oacute;n est&eacute;tica.

<h4 style="text-align: justify;">Metamorfosis</h4>
Del 6 de febrero al 25 de mayo de 2026 El poder de la transformaci&oacute;n seg&uacute;n Ovidio.
El Rijksmuseum, en &Aacute;msterdam, re&uacute;ne m&aacute;s de 80 obras provenientes de museos y colecciones internacionales para explorar c&oacute;mo los relatos del poeta romano Ovidio, escritos hace m&aacute;s de dos mil a&ntilde;os, siguen modelando la imaginaci&oacute;n visual. Historias atravesadas por el deseo, los celos, la astucia y la vulnerabilidad humana, que muestran a dioses y mortales transformarse en animales, plantas o piedras frente a emociones que desbordan el cuerpo. Artistas como Titian, Correggio, Cellini, Caravaggio, Rubens, Rodin, Brancusi y Louise Bourgeois reinterpretaron estos mitos desde sus propios tiempos, buscando igualar la fuerza po&eacute;tica con nuevas formas, materiales y gestos.&nbsp;
La exposici&oacute;n, realizada en colaboraci&oacute;n con la Galleria Borghese de Roma, traza un arco en el que cada obra dialoga con otra, revelando c&oacute;mo el mito se renueva al pasar de una mano y una &eacute;poca a otra.

<h4 style="text-align: justify;">The Antwerp Six</h4>
Del 28 de marzo de 2026 al 17 de enero de 2027 Seis miradas que redefinieron la moda de Amberes.
MoMu conmemora 40 a&ntilde;os desde que Dirk Bikkembergs, Ann Demeulemeester, Walter van Beirendonck, Dries van Noten, Dirk van Saene y Marina Yee llevaron la moda de Amberes al escenario internacional con sus presentaciones individuales en el British Designer Show de Londres, en 1986. Aunque nunca funcionaron como colectivo, compartieron la misma formaci&oacute;n en la Academia Real de Bellas Artes y entendieron la vestimenta como un lenguaje propio, experimental y profundamente conectado con la identidad cultural.&nbsp;
La exposici&oacute;n recorre sus trayectorias de manera paralela, y muestra c&oacute;mo cada uno desarroll&oacute; un universo est&eacute;tico singular que influy&oacute; en la percepci&oacute;n global de la moda belga.

<h4 style="text-align: justify;">Lee Bul: Desde 1998 hasta hoy&nbsp;</h4>
Del 14 de marzo al 9 de agosto de 2026&nbsp;
La tecnolog&iacute;a, el cuerpo y lo ut&oacute;pico.
Es una de las artistas m&aacute;s influyentes surgidas en Asia en las &uacute;ltimas d&eacute;cadas. La exposici&oacute;n en el museo M+ de Hong Kong re&uacute;ne instalaciones, esculturas y dibujos realizados desde finales de los a&ntilde;os noventa hasta hoy. La muestra se despliega en tres cap&iacute;tulos que permiten ver la evoluci&oacute;n de su pensamiento visual: desde paisajes arquitect&oacute;nicos que imaginan ciudades y futuros que nunca llegaron a realizarse, hasta sus reconocidas piezas que fusionan el cuerpo humano con lo cyborg y que plantean preguntas sobre la identidad, belleza y vulnerabilidad. Finalmente, se abre un espacio que revela su proceso creativo a trav&eacute;s de bocetos y maquetas.&nbsp;
La exposici&oacute;n propone cuestionar c&oacute;mo nuestras aspiraciones colectivas hacia el progreso y la transformaci&oacute;n se sostienen, se tensionan o se desmoronan con el paso del tiempo.

<h4 style="text-align: justify;">Geles Cabrera. Partituras corporales&nbsp;</h4>
Del 13 de noviembre de 2025 al 5 de abril de 2026
La primera escultora moderna de M&eacute;xico en un recorrido que une cuerpo y movimiento.&nbsp;
Esta exposici&oacute;n en el Museo del Palacio de Bellas Artes ofrece una revisi&oacute;n profunda de la trayectoria de Geles Cabrera (1926), reconocida como una de las primeras escultoras profesionales en M&eacute;xico y pionera de la escultura moderna del pa&iacute;s.&nbsp;
La muestra re&uacute;ne m&aacute;s de siete d&eacute;cadas de producci&oacute;n, donde la artista experiment&oacute; con piedra, cer&aacute;mica, plexigl&aacute;s y bronce, explorando c&oacute;mo la materia puede sugerir peso, fluidez, volumen o transparencia. Su obra dialoga con tradiciones mesoamericanas y afrocaribe&ntilde;as, as&iacute; como metodolog&iacute;as del movimiento y la danza.
La exhibici&oacute;n tambi&eacute;n destaca su impulso autogestivo, especialmente la fundaci&oacute;n del Museo Escult&oacute;rico en Coyoac&aacute;n, un espacio independiente donde promovi&oacute; la reflexi&oacute;n sobre el cuerpo y su presencia en el espacio.&nbsp;

Pop Brasil: Vanguardia y nueva figuraci&oacute;n, 1960s-70s
Del 7 de noviembre de 2025 al 2 de febrero de 2026
Una revisi&oacute;n hist&oacute;rica del arte brasile&ntilde;o que transform&oacute; la imagen, la pol&iacute;tica y el cuerpo.
El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) re&uacute;ne m&aacute;s de 120 piezas de 50 artistas provenientes de la Pinacoteca de S&atilde;o Paulo y de colecciones como Roger Wright, Malba y Costantini. Incluye trabajos de figuras clave como Anna Bella Geiger, Ant&ocirc;nio Dias, Claudio Tozzi, Mira Schendel, Wanda Pimentel y Wesley Duke Lee.
Organizada por la Pinacoteca de S&atilde;o Paulo, la muestra conmemora el 60&ordm; aniversario de dos exposiciones fundamentales del arte brasile&ntilde;o: Opini&atilde;o 65 y Propostas 65, que marcaron una respuesta a los cambios sociales y pol&iacute;ticos de la &eacute;poca.&nbsp;
La exposici&oacute;n se centra en c&oacute;mo estos artistas incorporaron la vida cotidiana en su obra usando im&aacute;genes de la cultura popular y el cuerpo como herramienta de expresi&oacute;n. El recorrido permite comprender c&oacute;mo el arte brasile&ntilde;o de los 60 y 70 ampli&oacute; los l&iacute;mites de la representaci&oacute;n y propuso nuevas maneras de pensar lo pol&iacute;tico.

<h4 style="text-align: justify;">La moda se convierte en arte</h4>
Del 28 de marzo al 1 de noviembre de 2026
Un recorrido por la trayectoria de Elsa Schiaparelli.
La primera exposici&oacute;n dedicada &iacute;ntegramente a la dise&ntilde;adora tomar&aacute; lugar en el Victoria &amp; Albert Museum. Desde los or&iacute;genes de la casa Schiaparelli en los a&ntilde;os 20, hasta su evoluci&oacute;n contempor&aacute;nea de la mano de la direcci&oacute;n creativa de Daniel Roseberry. Con m&aacute;s de 200 piezas trazar&aacute;n el legado cultural y la riqueza hist&oacute;rica que esta maison ha aportado al mundo de la moda.
Schiaparelli combin&oacute; la sastrer&iacute;a tradicional con materiales impensados, efectos surrealistas y colaboraciones art&iacute;sticas, como las que protagoniz&oacute; con Salvador Dal&iacute; y Jean Cocteau, invitando a ver sus vestidos como piezas de arte m&aacute;s que simples atuendos.
La muestra presenta piezas ic&oacute;nicas como el jersey negro con lazo blanco, el sombrero con forma de zapato, los ic&oacute;nicos vestidos Skeleton y Tears, y una gama crom&aacute;tica que desafi&oacute; las normas. Cada dise&ntilde;o &uacute;nico invita a detenerse, mirar y preguntarse qu&eacute; sucede cuando la moda trasciende su funci&oacute;n para convertirse en idea, reafirmando a Schiaparelli como pionera y s&iacute;mbolo de audacia creativa.

<h4 style="text-align: justify;">K&aring;ge y Hamada: Intercambio cultural en cer&aacute;micas</h4>
Del 23 de abril de 2026 al 10 de enero de 2027
Suecia y Jap&oacute;n dialogan para celebrar a dos maestros de la artesan&iacute;a.
El Museo Nacional de Estocolmo en colaboraci&oacute;n con el Museo de Arte Popular de Jap&oacute;n presentan una exposici&oacute;n que re&uacute;ne las obras de los ceramistas Wilhelm K&aring;ge y Shōji Hamada, dos figuras esenciales que impulsaron la uni&oacute;n entre belleza, funcionalidad y tradici&oacute;n artesanal.
K&aring;ge, desde su taller en Gustavsberg, explor&oacute; el dise&ntilde;o cotidiano con una mirada est&eacute;tica refinada; Hamada, como impulsor del movimiento Mingei en Jap&oacute;n, defendi&oacute; la belleza del trabajo hecho a mano. Este encuentro curatorial plantea una reflexi&oacute;n sobre la tensi&oacute;n entre un objeto &uacute;til y lo que es considerado una obra de arte.
Las piezas expuestas revelan intercambios culturales ocultos: esmaltes suecos reinterpretados bajo influencias japonesas, formas simples y dibujos cargados de significado en jarrones y platillos, vasijas que invitan al tacto y al silencio. Una muestra que invita a mirar la cer&aacute;mica de una forma diferente y lejana de lo cotidiano.

La reina Isabel II: Su vida con estilo
Del 10 de abril al 18 de octubre de 2026
Un archivo de moda que conmemora el centenario del nacimiento de la monarca brit&aacute;nica.
La Galer&iacute;a del Rey del Palacio de Buckingham acoger&aacute; la m&aacute;s completa exposici&oacute;n jam&aacute;s dedicada a cada vestuario utilizado por la mujer con el reinado m&aacute;s largo de Gran Breta&ntilde;a, narrando la extraordinaria historia de la monarca a trav&eacute;s de la ropa que luci&oacute; en las diez d&eacute;cadas de su vida.
Se reunir&aacute;n aproximadamente 200 piezas &ndash;sombreros, bocetos de dise&ntilde;o in&eacute;ditos, accesorios, prendas de su infancia y vestidos de gala&ndash; de los archivos reales. Desde el vestido de dama de honor de lam&eacute; plateado &ndash;una de las primeras piezas de alta costura que se conservan de su vestuario infantil&ndash;, hasta la vestimenta que utiliz&oacute; al momento de ser coronada a los 25 a&ntilde;os. Cada objeto narra un cap&iacute;tulo de historia, protocolo y moda.
La reina Isabel II no solo visti&oacute; para la realeza; construy&oacute; una imagen que represent&oacute; la continuidad, la diplomacia y el estilo brit&aacute;nicos. Sus elecciones de vestuario, muchas veces ideado por ella misma en el proceso, revelan una capacidad de usar la moda como lenguaje pol&iacute;tico. Esta exposici&oacute;n es una invitaci&oacute;n a verla no solo como reina, sino como &iacute;cono visual de su &eacute;poca.

<h4 style="text-align: justify;">Joyas, tiempo y poder</h4>
Del 12 de junio al 2 de octubre de 2026
M&aacute;s de tres siglos de artesan&iacute;a se revelan en una exhibici&oacute;n &uacute;nica de la maison Cartier.
La exposici&oacute;n Cartier: Obras maestras de invierno 2026 se inaugura en la Galer&iacute;a Nacional de Victoria, en Melbourne. M&aacute;s de 300 objetos &ndash;tiaras, relojes m&iacute;ticos, broches hist&oacute;ricos&ndash; trazan la evoluci&oacute;n del legado de Cartier en el arte, el dise&ntilde;o y la joyer&iacute;a desde principios del siglo XX hasta la contemporaneidad.&nbsp;&nbsp;
Re&uacute;ne algunas de las piezas m&aacute;s ic&oacute;nicas de Cartier, como el broche de pantera o el reloj Tank. Tambi&eacute;n destacan joyas usadas por Elizabeth Taylor, la tiara Scroll de 1902 y bocetos de dise&ntilde;o procedentes de los archivos de la maison, que revelan el proceso creativo que hay detr&aacute;s de las obras, entregando una visi&oacute;n diferente desde la manufactura de su excepcional artesan&iacute;a.
El montaje, dise&ntilde;ado por el Estudio Sabine Marcelis y Cloud, ambos estudios de dise&ntilde;o multidisciplinares con sede en Rotterdam, Pa&iacute;ses Bajos, convierte la exhibici&oacute;n en un espect&aacute;culo donde los materiales y el dise&ntilde;o dialogan con el legado de Cartier.&nbsp;

Arte, diseño y moda 2026

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