En el trabajo de la artista Paula Ceroni el color es fundamental. Gracias a la técnica de deshilados, en su obra hay efectos ópticos rítmicos que evocan música. Parte de esta propuesta se puede apreciar en Geometría sonora, la muestra que actualmente, y hasta diciembre, exhibe en el Museo Ralli.

Todo partió con un piano. Específicamente con un piano de cola. Más concretamente con ese esqueleto que ve un afinador cuando abre un piano de cola para hacer su&nbsp;trabajo; esa especie de arpa de cuerdas. Hace 14 años la artista&nbsp;visual <a href="https://www.instagram.com/paulaceroni/">Paula Ceroni</a> tomó clases de este instrumento, lecciones&nbsp;que, además de estimular sus dedos y sus oídos, le sirvieron&nbsp;como inspiración para una muestra que expuso en el Teatro del&nbsp;Lago. “Pensé ‘quiero mostrar de alguna manera este arpa, este&nbsp;cordel, este hilo’. Entonces hice un par de cuadros deshilados;&nbsp;el primero, en lino”, cuenta.
Para esa exposición, Allegro Pianissimo, deshiló telas y,&nbsp;a través de ellas, propuso diferentes planos y ángulos de un&nbsp;piano: “Era algo muy figurativo, con leves contrastes, un beige&nbsp;con un café, por ejemplo. También hice un violonchelo a&nbsp;tamaño real, con el fondo deshilado en la tela, e instrumentos&nbsp;de cuerda en otros tamaños. Fueron obras que tuvieron muy&nbsp;buena recepción del público; me empezaron a comentar ‘qué&nbsp;linda la técnica’, y entonces dije ‘acá hay algo’, pero sin saber&nbsp;muy bien qué. Me puse a investigar, y ese ha sido mi camino&nbsp;desde el 2012 hasta hoy”.
“Me gustan mucho la moda, la alta costura, la ropa. Entonces&nbsp;la tela se me hizo un material muy atractivo, y empecé a&nbsp;investigar qué más podía lograr, cómo hacer contrastes en este material. Desarrollé otras temáticas: de la música me fui a un tema más identitario, deshilé cordilleras y pueblos&nbsp;precolombinos como los onas, por ejemplo, y busqué telas que&nbsp;me pudieran servir. La verdad es que estuve años en esto; en el&nbsp;2018, para un concurso de arte joven, se me ocurrió poner dos&nbsp;capas, y eso lo cambió todo”, cuenta.
Si antes había una figuración muy específica en su trabajo,&nbsp;a partir de ese momento surgió una expresión de color, de&nbsp;capa y de movimiento, porque al superponer dos capas de&nbsp;deshilado surgía un efecto cinético de color, “sobre todo si&nbsp;eran de distintos colores, generaban un movimiento óptico. La&nbsp;primera vez usé dos azules, y cuando los puse me emocioné&nbsp;muchísimo. Después pensé ‘¿qué pasa si entretejo entre medio&nbsp;de lo que ya está deshilado?’. Eso generaba una transparencia&nbsp;y, al superponerla, se creaba otro efecto”.

En un comienzo representó personas caminando, pero en&nbsp;algún momento la tela le “habló” y la guio hacia la geometría.&nbsp;“Me imaginé un círculo, un rombo, un cuadrado. Desde el año&nbsp;2018 he estado con el tema geométrico, son obras con mucho&nbsp;color, con mucho juego óptico que vibra”, cuenta.
Y agrega: “Creo en el color casi como una espiritualidad; el color afecta tan positivamente el entorno. Cuando voy a una exposición, el color me cambia el ánimo y la percepción, porque tiene algo que ver con los recuerdos. Y yo quiero provocar eso: expresar algo que en el fondo sea bonito y que evoque algo en el espectador”.
“Estoy muy fascinada con el trabajo que hago. Tienen que ser piezas que me ‘maten’. Pero también lo hago pensando en que esto se va a exhibir, porque generalmente son trabajos para proyectos, exposiciones o ferias. Entonces siempre está presente el espectador cuando estoy trabajando. Es una autoexigencia: quiero generar el mejor trabajo para que el espectador lo&nbsp;disfrute, me importa mucho eso. No es solo que se me ocurra&nbsp;hacer un cuadro para mí; realmente quiero que la gente tenga&nbsp;un viaje del color, un viaje de las formas”, dice.
Paula cuenta que le interesa que en sus exposiciones la gente se&nbsp;deje llevar, que interactúe. De hecho, en Geometría sonora, en&nbsp;la muestra que actualmente, y hasta diciembre, se presenta en&nbsp;el Museo Ralli, hay dos instalaciones grandes, y una de ellas&nbsp;es inmersiva. "El tema central es la geometría y cómo, desde&nbsp;mi inicio, fue la música la que provocó todo este camino de&nbsp;evolución en mi trabajo. Con los colores busco mostrar un&nbsp;ritmo visual inspirado en la música”.
Un cuadro que marcó su mirada fue Broadway Boogie-Woogie&nbsp;(1943), de Mondrian. “Ahí él trabaja el amarillo, el rojo y el&nbsp;azul, e inserta en las líneas gruesas unos cuadrados de color, y&nbsp;uno ve cómo esos cuadrados parecen circular por esta red de&nbsp;líneas. Era su forma de representar el movimiento del boogie-woogie en Nueva York, en los años cincuenta. (...) Me llamó&nbsp;mucho la atención que, desde algo estático, solo con el uso del&nbsp;color, se pudiera generar esa percepción psicológica de que algo&nbsp;se está moviendo, de que hay música, de que hay ritmo, de que&nbsp;hay vibración".
“Richard Serra (escultor estadounidense) es un referente para&nbsp;mí. Él trabajaba con fierro, hizo instalaciones que son una&nbsp;locura espacial: parecen muros curvos que se enroscan como&nbsp;un caracol, pero gigantes. Son como planchas de fierro que&nbsp;uno recorre como si fueran muros, te vas introduciendo y&nbsp;recorriendo. Esa vivencia, esa participación, es como un viaje&nbsp;a experienciar distintas sensaciones y sentimientos; te sacan&nbsp;un poco de la realidad. Eso es lo que me gustaría lograr:&nbsp;que la gente al ver mi exposición, estas obras en las que he&nbsp;trabajado con mucha dedicación, reciba un espacio de cambio&nbsp;de percepción, un disfrute. Para mí también se trata de apelar a&nbsp;la belleza, que haya algo distinto, bonito, abstracto, un disfrute&nbsp;de la vista. Eso es lo que me interesa”.
Y no solo Serra ha sido fundamental. También están la huella&nbsp;de Kandinsky y su teoría del color; Monet y sus lienzos con&nbsp;nenúfares en el Museo de la Orangerie, en París; Picasso y&nbsp;su alma “busquilla” experimental, y Ellsworth Kelly, quien&nbsp;“llevó el tema de la geometría a planos impactantes”.&nbsp;Su larga lista de creadores inspiradores también incluye a Josef&nbsp;Albers y a su esposa, Anni Albers, además de los chilenos&nbsp;Matilde Pérez y el artista cinético Iván Contreras-Brunet. Además, por supuesto, de otros creadores cinéticos. “Ellos trabajaron mucho planos vibratorios, tanto análogos como con elementos de alambre, papel, o planos con motor. Y en el cinetismo hay una fuente de inspiración muy importante que es la música; de todas maneras”, explica.

En una nueva etapa de exploración, hoy Paula está forzando&nbsp;algunas representaciones geométricas “irreales”, planos&nbsp;imposibles. “Y también, por ejemplo, tengo un círculo&nbsp;naranja, pero el círculo no está completo, pero no falta que&nbsp;esté completo para que uno lo denomine ‘círculo’. También hay&nbsp;piezas de figuras que están rotadas o chuecas o que en el fondo&nbsp;generan una especie de incomodidad, pero que en el fondo es&nbsp;a propósito, es como decir ‘es real lo que estoy viendo o no, es&nbsp;buscar dentro de las imposibilidad algo posible dentro de la&nbsp;geometría. Eso también es parte de mi exposición en el Ralli”,&nbsp;dice.
“Mi obra es color, que en el fondo usa como pretexto esta&nbsp;trama o textura del deshilado del hilo, según cómo lo trabaje,&nbsp;va a provocar distintas cosas visualmente”, dice Paula, quien no&nbsp;estudió arte, sino licenciatura en estética.
<h4 style="text-align: justify;">L’OFFICIEL: Qué interesante la vuelta que diste, de licenciada en estética a&nbsp;artista. ¿Nunca pensaste en estudiar arte?</h4>
PAULA CERONI: Sí lo pensé, pero es tanto lo que me gusta el arte, tanto lo que me fascina desde que era muy chica que veía en el artista una genialidad que yo, a los dieciocho años, pensaba que no tenía. Era una persona creativa dentro del contexto escolar, se me ocurrían cosas; mi profesora de arte me decía "qué creativa eres", destacaba mis trabajos. Pero, a pesar de eso, yo sentía que los artistas estaban en lo alto, en una genialidad en la que yo no estaba; no sé, quizás era inseguridad de la edad. Pero llegó un punto en que estaba muy fascinada por estudiar la historia del arte, quería saber más de esto, quería difundirlo. Veía que había mucho arte en Chile, pero poco registro, y entré a la carrera para eso, para registrar. Es un trabajo que no muchas personas están haciendo; existe, pero es muy escaso. Me lo tomé como una bandera: aquí me tengo que meter, aquí tengo que aportar de alguna forma.
Y desde el 2018, sin buscarlo, comenzó a llevar consigo la&nbsp;palabra ‘artista’. “En mi primera exposición pasó algo muy&nbsp;curioso: en la inauguración, la persona que estaba a cargo de&nbsp;la exposición, que era la curadora del teatro, Carmen Gloria&nbsp;Larenas (hoy directora general del Teatro Municipal), me dijo&nbsp;"te vas a poner una banda", y me puso una bordada, preciosa,&nbsp;que decía "artista". Me tituló ella. Tuve que asumirlo de cierta&nbsp;forma, aunque quizás yo me lo cuestionara”.

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