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<p><span>La coreógrafa </span><span>colombiana </span><span>Andrea Peña fue una de las 10 premiadas con el CHANEL </span><span>Next Prize </span><span>2026, concurso de la </span><span>maison </span><span>francesa que apoya a artistas </span><span>emergentes </span><span>e innovadores que están </span><span>transformando </span><span>la cultura </span><span>contemporánea</span><span>. </span></p>
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<p style="text-align: justify;"><span>&ldquo;Recibir el CHANEL </span><span>Next Prize </span><span>2026 tiene un <strong>significado muy profundo para mí</strong>, tanto a nivel personal como profesional. No lo vivo únicamente como un reconocimiento individual, sino como la belleza de formar parte de una constelación de artistas con voces profundamente singulares: artistas que comparten una manera muy particular de mirar el mundo, siempre en diálogo con su cultura, su identidad, su territorio y, de alguna forma, con su ancestría&rdquo;, explica la coreógrafa y diseñadora industrial colombiana <strong>Andrea Peñ</strong>a, quien este año obtuvo uno de los 10 premios que la </span><span>maison </span><span>francesa entrega a creadores innovadores, y que incluye 100 mil dólares y una mentoría profesional de dos años. </span></p>
<p style="text-align: justify;"><span>&ldquo;En mi trabajo &ndash;y siento que esto conecta profundamente con el espíritu del premio&ndash; existe un deseo de redefinir el futuro del arte. En mi caso, se trata de <strong>traer historias, imaginarios y preguntas </strong>que emergen de memorias culturales específicas y hacerlas existir en el ahora como una forma de imaginar futuros&rdquo;, dice. </span></p>
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<h4 style="text-align: justify;"><span>L&rsquo;OFFICIEL</span><span>: </span><span>Cuando presentaste tu obra &ldquo;Bogotá&rdquo; explicaste que la puesta en escena era un paisaje donde los artistas están constantemente activando, que no era &ldquo;una escenografía que está ahí para decorar&rdquo;. &iquest;Cómo se logra ese diálogo entre cuerpo y materialidad?, &iquest;es un trabajo mancomunado? </span></h4>
<p style="text-align: justify;"><span>ANDREA PEÑA: </span><span>Sí, absolutamente, es un trabajo profundamente mancomunado. En<em> </em></span><span><em>Fotos backstage: Tonya Matyu para Copenhague Fashion Week</em>.</span><span>, la materialidad no existe como un fondo decorativo ni como un objeto pasivo; funciona como un paisaje vivo que se activa constantemente a través de los cuerpos, y que a su vez transforma la manera en que esos cuerpos se mueven, se organizan y toman decisiones. Para mí,<strong> la materialidad nunca es pasiva</strong>: vengo de la coreografía, pero también del diseño industrial, y eso hace que entienda la materia no como algo que acompaña el cuerpo, sino como un ser presente dentro del espacio, en diálogo y coexistencia con el cuerpo humano. El diálogo entre cuerpo y materialidad se construye desde el inicio del proceso creativo.<strong> No pienso primero el movimiento </strong></span><span><strong>y luego la escenografía, sino que ambos se desarrollan en paralelo</strong>, en una relación de escucha mutua (...) Por eso, el escenario se convierte en un ecosistema más que en un decorado. Los intérpretes no &ldquo;ocupan&rdquo; el espacio: lo activan, lo sostienen y lo transforman. Cada acción tiene consecuencias materiales, y cada transformación del paisaje afecta el estado físico, emocional y perceptivo de los cuerpos.(...) Mis trabajos son colectivos, los intérpretes son co-creadores de los ecosistemas escénicos. Sus decisiones, su inteligencia corporal y su capacidad de atención son fundamentales para que ese diálogo exista. Me interesa que el cuerpo no sea simplemente un ejecutor de movimientos, sino un agente activo dentro de un ecosistema vivo, donde la materialidad, el movimiento y la presencia están en constante co-construcción. </span></p>
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<p style="text-align: justify;"><span>La artista dice que más que centrarse en estilos, le interesa cuestionar la historia y, sobre todo, la estructura de poder que existe en su disciplina. </span><span>&ldquo;Históricamente &ndash;explica&ndash; el rol del coreógrafo ha sido muy jerárquico: una voz central que dicta el movimiento, las frases corporales y la forma de existir del intérprete en escena. Una de mis búsquedas principales es <strong>descentralizar ese rol</strong> y proponer procesos creativos más permeables y fluidos, donde el intérprete no sea únicamente un cuerpo técnico o un ejecutor, sino un ser humano con punto de vista, con inteligencia, con una posición sensible, política y vital dentro del trabajo&rdquo;.&nbsp;</span></p>
<p style="text-align: justify;"><span>Y ahonda: &ldquo;<strong>Me interesa crear ecosistemas coreográficos</strong> donde el bailarín pueda existir en toda su complejidad: en su identidad, en su humanidad y en su cercanía con el cuerpo como territorio sensible (...) Esto se traduce también en la necesidad de imaginar lo que llamamos espacios </span><span>queer</span><span>. No me refiero a espacios dirigidos a una sexualidad específica, sino a espacios que permiten fluidez, hibridez, multiplicidad de géneros, experiencias y vivencias culturales. Espacios donde el punto de vista no es único, sino plural. Este es, en gran parte, el aporte que anhelo dejar en la danza: no solo obras, sino metodologías, formas de trabajar y maneras de liderar procesos creativos más horizontales y acordes a las complejidades del mundo que habitamos hoy&rdquo;. </span></p>
<p style="text-align: justify;"><span>Además, explica Andrea, su trabajo a nivel personal y profesional también está comprometido con un proceso de acercamiento y rescate de la ancestría indígena colombiana. &ldquo;Mi abuelo materno era campesino, de un pequeño pueblo en Boyacá, Sotaquirá, y a partir de su historia familiar he venido investigando y reconstruyendo ese vínculo con el territorio y con la cultura musica de la región Cundiboyacense, a través de la transmisión oral y de un trabajo de profundización histórica y cultural&rdquo;, puntualiza </span></p>
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